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Con motivo de la llegada a los cines de su nueva película, el drama de Cate Blanchett The New Boy, nos ponemos al día con un cineasta que ha redefinido el cine australiano en los últimos años: el director indígena Warwick Thornton.

¿Por qué esto puede no parecer tan fácil?

Escribiendo en The Guardian sobre el primer largometraje de Warwick Thornton en 2009, la agitadora australiana expatriada Germaine Greer sugirió: «Algunas personas dicen que no entienden la película de Warwick Thornton, Sansón y Dalila. Y algunas personas que dicen que lo entienden, no lo hacen». Aunque criticado en su momento, Greer identificó una importante corriente subterránea que llevaría a cabo todo el trabajo posterior de Thornton, que logra un equilibrio consistente entre lo universal y lo culturalmente específico.

Cineasta Kaytetye, Thornton es hijo de Freda Glynn, pionera de los medios aborígenes en Australia central. Trabajando en largometrajes dramáticos, televisión, cortometrajes narrativos, trabajos basados en galerías y largometrajes y documentales de formato corto (junto con una prolífica carrera como director de fotografía), ha establecido una voz y una visión singulares que han ayudado a redefinir el cine australiano, y la llamada Ola Blak de la cinematografía indígena, en las últimas dos décadas.

Cualquier estudio de la obra de Thornton revelará a un cineasta con un claro interés en desmantelar la iconografía de los colonos y derribar los muros duales construidos por la religión y la colonización en Australia. Estas preocupaciones permanentes se unen perfectamente en su último drama, The New Boy, en el que Cate Blanchett interpreta a una monja católica rebelde que asume el control de un hogar rural para niños aborígenes, y da la bienvenida al misterioso personaje principal (Aswan Reid) al redil, con consecuencias milagrosas.

Basada libremente en la propia experiencia de Thornton de ser enviado a un internado católico y encontrarse cara a cara con la extraña visión de Cristo crucificado, esta película subraya lo que puede ser la propia santísima trinidad de Thornton, donde lo personal, lo político y lo punk chocan magníficamente.

El mejor lugar para empezar: Sweet Country

Inspirada en una historia real, la obra maestra de Thornton es la película de 2018 Sweet Country, que sigue la difícil situación del ganadero aborigen Sam Kelly (Hamilton Morris) que huye después de disparar a un terrateniente blanco, Harry March (Ewen Leslie), en defensa propia. Ambientado en medio de los paisajes monumentales de la cordillera MacDonnell en el centro de Australia, este western revisionista logra ofrecer una reinvención accesible de la narrativa arquetípica de la justicia fronteriza, sin pasar por alto las profundas complejidades de un complejo colonial de asentamientos que no solo marcó su escenario de la década de 1920, sino que aún resuena en la Australia contemporánea.

La devastadora frase final de la película: «¿Qué oportunidad tenemos? ¿Qué oportunidad tiene este país?», pronunciado por el amigo de Sam, el benigno predicador Fred Smith (Sam Neill), es tanto un grito por la comprensión histórica como por la reconciliación contemporánea. En su declaración como director, Thornton explicó su deseo de «utilizar la accesibilidad del género western para que el público entre en la historia… y así experimentar los problemas a los que se enfrenta un pueblo ocupado», una táctica que fue «diseñada para romper las fronteras culturales entre nosotros y unirnos».

Qué ver a continuación

Una poderosa declaración de reconciliación, Sweet Country se inclina en gran medida hacia el género western, pero su evitación de ciertos tropos, sobre todo su falta de una partitura musical elevada, le da a la película una quietud espeluznante. Sin embargo, el dominio del silencio cinematográfico de Thornton no es más claro que en su primer largometraje, Sansón y Dalila (2009), que emplea una forma bastante más directa de realismo social. Con largos períodos de silencio y asombrosas interpretaciones centrales de no actores en papeles casi mudos, esta película trazó la trágica historia de dos jóvenes amantes aborígenes que huyen y quedan atrapados entre dos mundos. Marcando la pauta para sus siguientes largometrajes, este reloj duro pero gratificante resultó ser un digno ganador de la Cámara de Oro a la mejor ópera prima en Cannes.

Sin embargo, son los dos puntos álgidos de los coqueteos de Thornton con la pequeña pantalla los que demuestran mejor su versatilidad y creatividad. Filmada en la remota península de Dampier, la exquisitamente meditativa The Beach (2020) muestra a Thornton al frente de su propio programa de estilo de vida de televisión lenta que es en parte un diario de viajes, en parte un programa de cocina, en parte una curiosidad susurrante de pollo. Su polo opuesto es la estridente serie de cazadores de vampiros aborígenes con infusión de rock’n’roll Firebite (2021). Aunque se hizo (en colaboración con Brendan Fletcher) para un streamer estadounidense, esta porción de ocho episodios de diversión que dobla los géneros no sacrifica nada de la crítica cultural mordaz habitual de Thornton, ya que el cazador de sangre Tyson Walker (Rob Collins) y su hija adoptiva Shanika (Shantae Barnes-Cowan) patean un montón de traseros de vampiros coloniales colonos a través de las catacumbas mineras de ópalo del interior de Australia Meridional.

¿Por dónde no empezar?

Aunque sería difícil encontrar algo que involucre a Thornton que no valga la pena, sus primeros trabajos documentales para la Asociación de Medios Aborígenes de Australia Central se basan en una especificidad cultural comprensible. Del mismo modo, las contribuciones de Thornton a un par de películas algo lentas podrían poner a prueba a los espectadores más duros. ‘True Gods’ es su contribución visualmente impactante a la espiritual Words with Gods (2014) de Guillermo Arriaga, mientras que ‘Big World’, su entrada en la adaptación del cuento de Tim Winton The Turning (2013), carece del peso y la importancia de excelentes cortos independientes como Green Bush (2005), o el humor de Mimi (2002) o Nana (2007).

En cierto sentido, la provocación de Greer resultaría profética, ya que hay momentos en los que el trabajo de Thornton se beneficia de un conocimiento más que pasajero de las complejidades que se abordan. Su documental con infusión punk We Don’t Need a Map (2017), por ejemplo, ofrece una fascinante y multifacética recuperación del simbolismo visual de la Cruz del Sur que, sin embargo, podría confundir a las audiencias no australianas que no están familiarizadas con la constelación en sí, o su larga asociación con el extremismo político.

Del mismo modo, su maravilloso proyecto cuasi documental The Darkside (2013), que recopiló y adaptó historias de fantasmas de temática indígena de toda Australia, podría resultar estilística y temáticamente desconcertante para algunos espectadores. Lo mismo podría decirse de las instalaciones de galería visualmente llamativas, aunque algo esotéricas (y rara vez vistas) como Stranded (2011), un autorretrato en 3D sobre un crucifijo flotante de caja de luz, o el salvaje desmantelamiento de Meth Kelly (2020) por parte de un niño colonial.

Ya sea persiguiendo lo universal o lidiando con lo culturalmente complejo, las películas de Thornton, exquisitamente filmadas y bellamente observadas, expresan una fe constante en la humanidad y una demostración muy necesaria de la supervivencia indígena.

The New Boy llegará a los cines a partir del 15 de marzo de 2024.