«Guardiana de dragones» (en España) es una película animada hispano-china de aventuras y fantasía. Se estrenó en cines españoles el 19 de abril de 2024, de la mano de A Contracorriente Films.
La película está basada en la primera de las seis novelas de la saga literaria homónima de la autora australiana Carole Wilkinson. La historia nos sumerge en un mundo mágico lleno de dragones y aventuras en la China milenaria. Si te gustan las películas de fantasía y animación, ¡seguro disfrutarás de “Guardiana de dragones” 🐉✨
SINOPSIS: En el antiguo imperio chino, durante la dinastía Han, los dragones, antaño amigos y sabios aliados de los hombres, llevan años perseguidos y enjaulados. En una remota fortaleza en las montañas, una niña ayuda al último de los dragones a escapar y se une a él en una apasionante misión: recuperar el tesoro más preciado, el último huevo de dragón. Este huevo ha sido robado por un malvado hechicero que busca explotar su potencial mágico para alcanzar la inmortalidad.
Codirigida por un equipo de talentosos cineastas españoles y chinos, lo que la convierte en una interesante coproducción entre España y China. Además, ha sido nominada a Mejor película donde le otorgaron Biznaga de Oro en el Festival de Málaga
El valiente drama finés se ha coronado en la octava edición del Festival de Cine de Barcelona-Sant Jordi, que ha reconocido a ‘Alumbramiento’ de Pau Teixidor con el Premio a la Mejor Dirección y a la Mejor Actriz.
Cartel El destino de Maya
El destino de Maya, de Tiina Lymi, ha sido galardonada con el Premio a la Mejor Película en la octava edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona BCN Film Fest, que se cierra este viernes con la proyección de Hit man, de Richard Linklater.
El filme ganador es un drama histórico sobre la lucha de una mujer por sacar adelante a su familia en una remota isla finlandesa del siglo XIX.
Eduard Fernández, Clara Segura y Carles Sans han formado el jurado oficial de esta edición; y el jurado de la crítica lo integraban Marla Jacarilla, Esteve Plantada y Xavier Daniel.
En el palmarés, la película española Alumbramiento ha sido reconocida con dos premios, a la mejor dirección, para Pau Teixidor, y a la mejor actriz para su reparto de actrices jóvenes: Sofía Milán (protagonista), Celia Lopera, Carmen Escudero, Paula Agulló, Victoria Oliver y Alba Munuera.
El premio al mejor actor ha sido para el veterano intérprete británico Michael Caine por La gran escapada, y el de mejor guion para Luàna Bajrami por Phantom Youth.
El Premio Festival Castillo de Peralada a la mejor música ha correspondido al filme Raymond Enoksen por Hammarskjöld. Lucha por la paz, y el Premio de la Crítica ha sido para Daaaaaalí!, de Quentin Dupieux.
El premio Nuevos Talentos al mejor cortometraje ha recaído en Blava terra, de Marine Auclair March (ESCAC).
El festival ha tenido más de 20.000 espectadores desde su inauguración el pasado 18 de abril, lo que supone un 10% de incremento respecto al año anterior. «Esta edición del festival, con visitas relevantes, intensos coloquios y presentaciones y momentos muy emocionantes, ha cubierto todas las expectativas y el público ha respondido como nunca. La acogida que han tenido nuestras propuestas ha sido espectacular. Seguiremos trabajando y avanzando en nuestro objetivo de un festival fuerte y abierto, que sea útil y práctico para el sector y que dé proyección a la ciudad de Barcelona», ha valorado Conxita Casanovas, directora del BCN Film Fest.
Durante el festival se han proyectado 69 películas de las cuales quince eran estrenos mundiales, una de estreno europeo, veinte estrenos en España y 11 en Cataluña.
Gano el segundo premio de esta 23.ª edición, la Lady Harimaguada de Plata, en este largo se ha destacado la poderosa inmersión en la sociedad húngara, la sutil interconexión entre los personajes y la complejidad de las cuestiones que vinculan política y libertad. Por añadidura, el montaje y la música subrayan todas las cualidades de la trama”.
La película se estrenó en el 80º Festival Internacional de Cine de Venecia, donde ganó el Premio Orizzonti a la Mejor Película.
La trama de la película se desarrolla a lo largo de ocho días y se cuenta desde tres (o incluso cuatro) puntos de vista diferentes. Los personajes principales incluyen a Àbel, un adolescente enamorado de Janka; el profesor de Historia Jakab, que intenta realizar un documental sobre el levantamiento de Budapest en 1956; y los padres de Àbel, obsesionados con su éxito académico. A medida que se entrelazan las historias y se revelan mentiras, divisiones sociales y exageración mediática, la película ofrece un cautivador retrato de la sociedad húngara actual.
Gábor Reisz, autor del excelente guion junto con Éva Schulze, logra crear un complejo rompecabezas con notable sencillez, abriendo un vasto campo de reflexión sobre la educación y los jóvenes del siglo XXIExplanation for Everything es una obra inteligente, apasionante y brillante que evita las trampas del maniqueísmo y expone abiertamente las tensiones sociales en la Hungría contemporánea
10 Lives (conocida en Hispanoamérica como Un gato con suerte) es una película británica de animación. La película relata la historia de Beckett, un gato malcriado que se enorgullece de su suerte, fue estrenada oficialmente en el Festival de Cine de Sundance de 2024.
Rose adopta a Beckett tras atropellarle por accidente cuando este intentaba escapar de la perrera. Le mima tanto que termina convirtiéndose en un gatito egoísta y malcriado.
De manera inesperada, Beckett pierde su novena y última vida. Beckett no acepta que su vida en la Tierra termine y se planta a las puertas del cielo suplicándole a la guardiana una última oportunidad para poder regresar a su perfecta y cómoda vida con Rose.
La guardiana se apiada de él y decide darle otras nueve vidas. Lo que Beckett no sabe es que, ahora, en cada nueva vida, se reencarnará en un animal diferente regresando a la Tierra como ratón, cucaracha, mofeta, perro…
Gracias a su nueva oportunidad Beckett aprenderá una valiosa lección vital. Y es que, a veces, debemos recorrer diversos caminos para encontrar nuestra mejor versión.
El reparto de voces incluye a Mo Gilligan como Beckett, Simone Ashley como Rose, Sophie Okonedo como Grace, Zayn Malik como Cameron y Kirk, Dylan Llewellyn como Larry, Bill Nighy como el profesor Craven y Jeremy Swift como Happy.
Casi diez años después de presentar su epopeya Las mil y una noches (tres volúmenes, casi seis horas y media en total) en la Quincena de Realizadores, el portugués Miguel Gomes vuelve al Festival de Cannes para presentar, esta vez en la Competición Oficial, su nueva película Grand Tour.
Escrita por Gomes junto a Mariana Ricardo, Telmo Churro y Maureen Fazendeiro, Grand Tour se sitúa en Rangún, Birmania, en 1917, para narrar la historia de Edward y Molly. Edward, funcionario del Imperio Británico, huye el día en que iba a casarse con Molly. Decidida a encontrarlo, Molly sigue los pasos de su Grand Tour por toda Asia.
Gonçalo Waddington, Crista Alfaiate y Teresa Madruga interpretan los papeles principales, junto a Jani Zhao, Manuela Couto, João Pedro Vaz, Lang Khê Tran y Diogo Dória, entre otros.
El debut de Paola Cortellesi es un melodrama oscuro alimentado por el humor, la rabia y el neorrealismo, pone el foco en la subyugación de las mujeres en la posguerra con una descripción satírica de un matrimonio abusivo que está llena de alegría formal.
Es la bofetada la que marca la pauta, con fuerza. Una bofetada casual en la cara a primera hora de la mañana es recibida con una calma sobrenatural por la maltratada ama de casa Delia por parte de su marido Ivano en el melodrama cómico negro There’s Still Tomorrow. Anuncia el debut como directora de la popular actriz y guionista italiana Paola Cortellesi como una rareza inteligente y audaz, cuya comedia dramática monocromática de estilo neorrealista sobre las luchas cotidianas de un ama de casa empobrecida en la Roma de 1946 tiene un peso dramático y político inusual. Una mirada sin concesiones a la opresión social de las mujeres en la posguerra, ha demostrado ser muy popular en Italia, convirtiéndose en una de las películas más taquilleras del país.
Esta mirada satírica e histórica sobre el matrimonio, al estilo italiano, incorpora hábilmente temas pesados en una mirada de cerca a la dura vida de Delia. Cortellesi, que también protagoniza, captura el estoicismo y el descaro decididos de Delia mientras hace malabarismos con el trabajo y el cuidado incesante de su familia (además de un suegro espantoso y manoseado).
La cámara la sigue a través del polvoriento Trastevere en pantalla panorámica mientras corre hacia un puñado de trabajos rudimentarios y mal pagados. Pero lo que hace que la película destaque es su mutabilidad de género, deslizándose hábilmente desde la miseria violenta hasta los gags inexpresivos. Lleno de alegría formal -las palizas se escenifican como escenas de baile oscuramente divertidas, con la banda sonora de alegres baladas de amor retro italianas como ‘Nessuno’- que sorprende al espectador fuera de las ideas preconcebidas.
Otras extravagantes caídas de aguja mantienen a la película muy bien desequilibrada: el blues crudo de los 90 que lleva a Delia a sus trabajos, ‘B.O.B.’ poniendo en marcha una tensa escapada. Y mientras Delia planea una vida mejor para su hija Marcella, casi comprometida, el torrente de esperanzas y humillaciones de la historia subvierte nuestras expectativas. Un almuerzo magistralmente tenso para los posibles suegros esnobs de Marcella provoca una lluvia de risas sombrías, un policía militar estadounidense demasiado familiar ofrece riesgos y oportunidades.
Empleando un estilo visual neorrealista perfecto de la época (junto con respetuosos guiños a Ladrones de bicicletas, 1948, y Roma, ciudad abierta, 1945), la película mantiene sus excelentes actuaciones centrales en el mismo registro serio. El cruel perdedor de Valerio Mastandrea excusa su violencia encogiéndose de hombros con un «¡Hice dos guerras!», y la luminosa Marcella de Romana Maggiora Vergano rebosa de lástima y desprecio por su madre.
Mientras tanto, Cortellesi hace que los pensamientos de Delia corran detrás de sus ojos oscuros y dóciles, planeando poner fin a su difícil situación. Escondida en esta narrativa agridulce se esconde una historia de empoderamiento inesperado. Porque el punto importante de la película es que el patriarcado no está en el pasado. A través de su oscura sátira de la subyugación de la década de 1940, también destaca inteligentemente el problema perdurable de la violencia doméstica italiana. Piensa en ello como la oportunidad de Delia de devolver la bofetada.
► There’s Still Tomorrow estará en los cines del Reino Unido a partir del 26 de abril.
La rompedora campaña de Ogilvy para la promoción turística de Andalucía. La gala de los premios del c de c, que se celebró el pasado 13 de abril en el Palacio de Congresos Kursaal de Donostia, reconoció a «Andalusian Crush» con 7 oros, 3 platas y una mención especial, lo que la convirtió en el spot más galardonado del año.
“Andalusian Crush” es una campaña publicitaria la cual rinde un homenaje especial a la región de Andalucía, ubicada en el sur de España. El objetivo de esta campaña es conectar emocionalmente con los viajeros, tanto a nivel nacional como internacional, y despertar sus sentimientos para ofrecerles un viaje interior lleno de recovecos y pasión por las joyas culturales de Andalucía.
El Club de Creativos (c de c) ha otorgado a Andalusian Crush, la campaña turística de la Junta de Andalucía creada por Ogilvy, el Gran Premio Nacional de Creatividad 2024, máximo galardón de los Premios Nacionales de Creatividad que la organización entrega cada año. Una campaña rompedora en su sector por su innovador enfoque y puesta en escena, en la que el actor Peter Dinklage (Tyrion Lannister en la serie Juego de Tronos) advierte de los principales atractivos de Andalucía que pueden llegar a conquistar a los turistas que la visiten.
El remake de Catherine Breillat de la película danesa La reina de corazones juega con las ideas de atracción, repulsión y autoengaño a través de Anne (Léa Drucker), una abogada de mediana edad que se siente inapropiadamente atraída por su hijastro adolescente.
Samuel Kircher como Théo, Léa Drucker como Anne en El último verano (2023)
Catherine Breillat se enfurece con los críticos que la catalogan como una autora extravagante o erótica. Es una romántica de corazón, en busca de esa chispa pura de pasión, algo que subraya en las notas de prensa de su último largometraje, Last Summer (un remake de la película danesa de 2019 de May el-Toukhy, Queen of Hearts). Sin embargo, sería difícil llamar a Last Summer un drama romántico, tan extrañamente depredador es el ardor sensual de la mujer madura en su centro, cuya escurridiza atracción sexual, con los impulsos contradictorios de fusión y repulsión, desnuda el alma y autoengaño, hacen de Last Summer Breillat la película más desgarradora de Breillat hasta la fecha.
Léa Drucker interpreta a Anne, una abogada de ojos azules pálidos, cuya pasión por defender a niñas vulnerables, algunas violadas, otras atrapadas en hogares de acogida, solo se compara con su serena devoción por su marido, Pierre (Olivier Rabourdin), y sus dos hijas adoptivas. Sin embargo, la calma de Anne se tambalea cuando el hijo adolescente de Pierre, Théo (Samuel Kircher), se muda a la casa. Hirviendo de agresión hormonal, pero también capaz de repentinos destellos de seductora ternura, Théo tiene un magnetismo que pone a prueba la lealtad y la integridad de Anne.
La realidad de Anne y Théo embarcándose en una aventura cuasi incestuosa parece interesar menos a Breillat que el hecho de que es posible que Anne esté perfectamente enredada en su papel de esposa y madre, y aún albergue impulsos juveniles no reconciliados. Pero, ¿qué tiene Anne que la hace perder sus amarras tan rápidamente, metamorfoseándose de una esposa plácidamente servicial, atraída por su marido, incluso adoradora, aunque hay que admitir que ya no está enrojecida por el deseo, a una infiel? En una escena bucólicamente hermosa a mitad de la película, Théo pasea por el jardín con una grabadora. Mientras se acurrucan en la hierba, con los hombros rozando, Anne confiesa lo que la ha atormentado durante toda su edad adulta: el miedo a que su vida estable pueda colapsar repentinamente; o más bien, que provocará deliberadamente su colapso.
La confesión a regañadientes, que provoca la simpatía de Théo, reafirma una idea recurrente en las películas de Breillat. Sus mujeres, quizás la más famosa Maud (Isabelle Huppert), que se enamora de un estafador en la semiautobiográfica Abuse of Weakness (2013), son a menudo misterios para ellas mismas. Anne da la impresión de sentir su propia capacidad para la imprudencia y el peligro, alimentando en secreto apetitos mucho más grandes de lo que sugiere su comportamiento relativamente conformista.
Léa Drucker como Anne en El último verano (2023)
Aunque Breillat no deja que los espectadores conozcan todos los secretos de su heroína, Anne le insinúa a Théo que la primera vez que tuvo relaciones sexuales fue tan agonizante y la marcó tan mal, que no puede hablar de ello con nadie. Décadas más tarde, el fantasma del sueño juvenil incumplido de Anne de una unión romántica perfecta persigue su feliz vida familiar.
La elección de Léa Drucker como Anne -Breillat ha dicho que fue idea de su productor Saïd Ben Saïd- es ingeniosa: con su elegancia y su expresión suave, no es una heroína estereotipadamente tempestuosa. Inspirado en la pintura extática barroca, incluida María Magdalena en éxtasis (1606) de Caravaggio, Breillat escenifica las escenas de sexo de Ana con una falta de naturalidad deliberada. En la felicidad orgásmica, el delgado cuerpo de Drucker, capturado en prolongados primeros planos, se contorsiona y arquea extrañamente; la quietud y el silencio subsiguientes también son extraños, transmitiendo un aire casi espiritual, tal vez para sugerir que Anne encuentra no solo éxtasis sino una armonía beatífica, aunque sea fugaz, en tener a Théo como hijastro y amante.
La deuda de Breillat con el género de suspenso significa que finalmente atraviesa las suaves nieblas angelicales que se ciernen sobre Anne. Cuando el ritmo de la película se acelera y adquiere matices hitchcockianos, las crecientes demandas de intimidad de Théo y su ira herida cuando es rechazado empujan a Anne a reconocer la trágica imposibilidad y la locura de su relación.
La genialidad de la narración y el concepto visual de Breillat, con una cinematografía que baña a Anne en una luz benigna, radica en el hecho de que su moralidad es imposible de precisar. Tomando represalias una vez acorralada, reúne su fuerza, ya no es una fatalista temerosa sino una estratega fría. Tiene la edad y su profesión de su lado; Ella fanfarronea, lo niega todo. Siempre desconfiada de la moralización, Breillat muestra a su heroína sin ganar ni perder, mientras Anne se conforma silenciosamente con Théo y de alguna manera mantiene su matrimonio, aunque en un terreno bastante inestable. Hacia el final, Breillat es vigorosamente honesto sobre la forma en que la lujuria puede ser una especie de iniciación: Anne le enseña a Théo que el dolor es algo que se adquiere, como una insignia, y luego, trágicamente, a veces despiadadamente, se transmite.
► Last Summer estará disponible para transmitir exclusivamente en BFI Jugador a partir del 25 de abril.
«Scapegoat» (Chivo expiatorio) es una película dramática sueca cuyo estreno en los cines suecos está previsto para el 26 de abril de 2024, el guión está escrito por Jenny Lampa, gira en torno a la afiliación grupal, la pasividad, la violencia y la lucha por hacer lo correcto cuando no hay buenas alternativas.
La historia sigue a un sacerdote recién ordenado que debe enfrentarse a sus demonios cuando el caos llega a su puerta. La película gira en torno a Sam, que trabaja como sacerdote en un pequeño pueblo. Tiene antecedentes penales. Cuando una banda criminal se muda a la aldea y atrae a los jóvenes locales, Sam debe elegir. ¿Debería seguir observando y esperar que todo salga bien? ¿O debería, basándose en sus propias experiencias pasadas, actuar? Sam decide retirarse y un niño resulta gravemente herido. Al final, se ve obligado a intervenir.
El resultado se anunció oficialmente en la Storytellers Gala, celebrada online el pasado 16 de abril.
La serie Motel Valkirias ha sido galardonada con el premio Plata en los New York Festivals TV & Film Awards 2024 como mejor programa de entretenimiento / drama. Los ganadores de estos premios de cine y televisión, que desde 1957 reconocen la creatividad en la producción audiovisual en todo el mundo en diferentes categorías, fueron anunciados el pasado miércoles en una ceremonia virtual.
La serie de ocho capítulos está ambientada en un espacio único, un motel fronterizo, un lugar detenido en el tiempo, olvidado de las comunicaciones y el progreso. En este contexto se sitúa la trama de la serie, en la que, a modo de ‘dramedy‘, se abordan temas como la presión social sobre las mujeres o la precariedad económica a la que están expuestas.Motel Valkirias ya recibió el premio Circom de la asociación de televisiones regionales europeas en 2023 y está preseleccionado este año para los premios Platino Iberoamericanos.
Motel Valkirias es una ficción gallego-portuguesa, producida por CTV y SPi, con la participación de TVG y RTP, quese estrenó en marzo de 2023 en HBO España y TVG. Las ventas internacionales corren a cargo de Onza Distribución.
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Samuel Kircher como Théo, Léa Drucker como Anne en El último verano (2023)
